Proyecto!

Texturas

En este trabajo teníamos que imitar el modelo que nosotros eligiesemos. Me ha parecido un trabajo difícil y entretenido, ya que hay que buscar el color exacto y cuidar el dibujo, cuando parecía que ya iba bien, se me estropeaba, pero al final no quedó tan mal.

Transparencias

En este trabajo teníamos que experimentar y probar a pintar con acrílicos diluídos en agua. Ha sido un trabajo muy divertido ya que teníamos mucha libertad para realizarlo y aprender una forma distinta de trabajar con acrílicos que es muy útil.

El pastel

EL PASTEL

El desarrollo de la pintura al pastel a lo largo de la Historia del Arte va ligado a la independencia del dibujo de la pintura con pincel. Pero ha dejado de ser parte del dibujo para ser un medio pictórico con personalidad propia.
El pastel empieza a utilizarse como un medio seco y rápido de aplicar color al dibujo para potenciar los volúmenes y acercarse un poco más a la realidad con el soporte del color, principalmente en el retrato y la pintura de figura.
El pastel es un medio pictórico que han utilizado muchos artistas por la luminosidad e intensidad del color y por la sencillez de su manejo, ya que no necesita ni paleta, ni diluyentes ni pinceles.
Una de las ventajas del pastel, es que es una técnica seca que tiene la ventaja de que no hay que esperar a que seque. También se puede trabajar de muchas formas, con líneas finas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y colores saturados.
El pastel está compuesto por el pigmento y un aglutinante que es una cola bastante ligera que su finalidad es que el pigmento pueda tener forma de barra. Por esta razón, los colores de la pintura al pastel son limpios, intensos y saturados; con los que permiten al artista realizar bellas obras de gran contraste y luminosidad.
El sistema que sujeta el pigmento al soporte son los poros d este, por eso necesitamos un papel lo suficientemente poroso, pero si es muy poroso, el pigmento no llega a los espacios más profundos.
Para trabajar con esta técnica es muy importante saber que el papel no admite indefinidamente el pastel y cuando le hemos dado mucho pigmento, este se termina cayendo.

He decidio explicar e investigar sobre esta técnica, ya que he empezado a utlizarla hace poco, y me llama mucho la atención, es fácil de aprender y conseguir buenos trabajos. Estoy muy contenta con esta técnica y seguiré aprendiendo y practicando.

Bibliografía:

http://www.juliopuentes.com/tecnicas/pastel.htm

Apuntes técnicas pictoricas por Juan Gallego.

La pintura acrílica

LA PINTURA ACRÍLICA

De lo espiritual en el arte

PRESENTACIÓN DE LOS DATOS DEL LIBRO

Historia del autoretrato

Historia Del Retrato

Exposición oral

Gotico Y Barroco

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Miguel Barceló

En esta exposición pudimos hacer un recorrido por toda la obra de Miguel Barceló, desde 1983 hasta ahora. En ella podemos encontrar todo tipo de obras, desde esculturas hasta pinturas, ilustración de libros, acuarelas, desde las obras más importantes hasta las que son poco conocidas. Me ha parecido interesante esta exposición ya que refleja y podemos entender la obra del artista, nos hace un recorrido por su vida, la variedad de obras y materiales, por los sentimientos y etapas que ha experimentado y como va evolucionando y para ello nos muestra todo tipo de obras.

Steve Hanks

Steve Hanks, pintor nacido en 1949 en San Francisco, es considerado actualmente como uno de los diez mejores artistas norteamericanos.

Inicialmente, sus obras fueron dibujos a lápiz y óleos pero una reacción alérgica estos le obligó a experimentar con acuarelas. El uso de las técnicas aprendidas de sus otros medios le llevó a crear acuarelas con el terminado de óleos.

En 1992 la National Watercolor Society Merit Award and the National Academy of Western Art le concedió la Medalla de Oro.

http://blog.plozano.net/

Me ha impresionado mucho como pinta con acuarela, el realismo de las obras y que muchas de ellas son momentos no posados, son naturales y espontáneas.

PresentacióN1

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Repetición del círculo cromático

Este trabajo lo he repetido, porque quería mejorar los tonos, y sobre todo la limpieza, porque el primero que hice fue un desastre, entre lo que se llevó la cinta de carrocero y lo suciio que quedaron los colores, da pena verlo. Intenté hacerlo a pulso, pero se quedaba todavía más sucio los colores, aunque lo demás estaba limpio, asi que probé ha hacer una plantilla e ir haciendolo así, y fue como mejor me quedó.

Bodegón de complementarios

Este trabajo consistía en hacer un bodegón con los colores complementarios poniendolos uno junto a los otros, por ejemplo el amarillo junto al morado, pero nunca mezclándolos porque si no nos quedaría gris. No ha sido un trabajo de los más dificiles de hacer, pero sí de entender y de plantear.

Retrato artistico

Para hacerlo, quise resaltar lo que más me gusta de la foto, que son los ojos. Asique pense en como hacerlo. Pense en las cosas que nos rodean, las que vemos, las que vemos y no nos damos cuenta, y las que nos ocultan y no llegamos a saber.

Decidi poner los ojos en el medio, y en un pico el blanco y en otro pico el negro, y entre ellos varios colores simulando el espectro visible, ya que es la parte de las ondas que nuestros ojos captan, el amarillo y el blanco son los que más espacio ocupan porque son los que representan a las cosas que vemos y nuestros ojos perciben, los demas colores representan a lo que nos cuesta más ver y aunque lo vemos no nos damos cuenta, o no nos queremos dar cuenta, pero nuestro subcosciente sí. y la parte más oscura, representa a lo que nos ocultan, a lo que no vemos, a los engaños. Los ojos son en blanco y negro, porque son acromaticos, porque los ojos no interpretan lo que ven, solo son lentes, es nuestro cerebro el que interpreta lo que los ojos captan.

Para el fondo hice varias pruebas, a mezclar en el papel con una esponja para crear textura, pero no me gustó como me quedó, porque quedaba muy sucio y oscuro y no era lo que quería conseguir. En esta prueba, puse la luz en un lado y la oscuridad en otro y en medio la parte de luz que vemos, pero no me gustaba como quedaba esa franja en medio.

Paisaje 2

Al final no elegí ninguna foto que puse en la entrada anterior. Elegí un formato circular y decidí modificar la foto con ojo de pez. y este es el resultado.

La foto del paisaje:

La foto en ojo de pez:

Proceso del paisaje:

El paisaje definitivo:

Repetición Blanco y Negro

Para este trabajo he creado un bodegón en casa, con dos elementos y estos han sido los resultados. No es que esté perfecto ni tampoco bien, pero mucho mejor que el anterior si esta.

Cómo hacer una tesis

COMO HACER UNA TESIS

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Retrato de Giacometti

PRESENTACIÓN DE LOS DATOS DEL LIBRO

Título: Retrato de Giacometti

Autor: James Lord

Editorial: La balsa de la medusa

Primera edición: 2002

Segunda edición: 2005

Lugar de edición: Boadilla del Monte, Madrid

Número de páginas: 155

JAMES LORD

Íntimo amigo de Picasso y Giacometti, plasmó en sus biografías y memorias una imagen del ambiente artístico de Montparnasse en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Mientras formaba parte del departamento d inteligencia dentro del ejército estadounidense durante la guerra, viajó a París en un permiso de tres días en 1944 y se dirigió al estudio de Picasso donde se ganaría la entrada en el conjunto artístico de Montparnasse. Murió en París en 2009, víctima de un ataque al corazón.

Lord dejó retratos en tres volúmenes de memorias de Gertrude Stein, Jean Cocteau, Balthus y Peggy Guggenheim, entre otras figuras que había conocido en la vida bohemia francesa. También escribió varias obras de importancia sobre Giacometti, en particular la definitiva Giacometti: Abiography, en la que narra la experiencia que vivió junto al artista al posar para un retrato en 1964. Tardó dieciocho sesiones en acabar la obra, sesiones en las que Lord relató, gracias a sus notas personales, cómo Giacometti realizaba el retrato.

http://www.enmemoria.com/obituarios/james-lord.html

RESUMEN

Este libro relata la experiencia que tuvo cuando Giacometti pintó su relato, Cuenta con detalle los pensamientos y los sentimientos de Alberto, así como sus costumbres y su rutina. Su manera de pintar, sus expresiones mientras lo hacía, su humildad a la hora de reconocer el valor de sus obras. En estas dieciocho sesiones Giacometti pintó lo mejor que pudo el relato de James Lord, aunque él no quedó del todo satisfecho, porque decía que no puede plasmar las cosas en el papel igual que él las ve. Muestra como cada día progresa y retrocede en el retrato, cuando tiene esperanzas y cuandto termina desesperado, hasta que al final manda su cuadro a una exposición, por lo que está obligado a terminarlo.

VALORACIÓN CRÍTICA

Es un libro fácil de leer, ya que el vocabulario es sencillo y aporta varias expresiones literales por ejemplo cuando dice Giacometti " cuanto más se trabaja un cuadro, más difícil es acabarlo", lo que ayuda a conocer más a los protagonistas y entender mejor la historia. También describe como se sentían en determinados momentos, por ejemplo cuando Lord posaba, ya que sentía un compromiso con la obra aunque él no la pintase: " Hay una identificación entre modelo y artista a través del cuadro..." . Con este libro se conoce la forma de trabajar de Giacometti, lo que nos puede ayudar a crear la nuestra. He aprendido a que nunca tenemos que dar una obra por terminada, ya que simpre se puede mejorar y que nos tenemos que esforzar día a día, aunque estemos desanimados. También muestra la humidad de Giacometti, ya que nosotros tenemos que ser los primeros que juzguemos y critiquemos nuestra obra de manera objetiva y como si nos odiásemos, ya que es como realmente veremos los fallos.

Paisaje

Hay que hacer un paisaje en un formato que no sea común. Yo he pensado en hacer un círculo un imagen en ojo de pez, pero todavía no se cual hacer.

Autoretrato

Para este trabajo yo he cogido esta foto pero la he modificado y la he cortado. Este es el trabajo que más dificil me resulta. Para empezar la foto está blanco y negro, con lo cual el color me lo tengo q imaginar yo, y luego pintar una cara... que creo que es lo más dificil de pintar. No esque me esté quedado muy bien, pero lo intento. Intenté hacerme una foto con una postura parecida, pero no salió bien y me liaba mucho con las dos.

Bueno se ve que tengo la nariz torcída, con lo que seguí peleandome con el autoretrato, pero tampoco esque haya quedado muy bien, y por más que le toco, yo ya no se si lo estropeo o lo arreglo. Un día parece que va a mejor, pero cuando lo veo al día siguiente me parece lo peor del mundo. Por lo menos le puesto la nariz un poco más recta, aunque parece que se la han implantado entera, que se la han puesto por encima.

triángulo de mezclas cubrientes

Consiste en hacer las escalas con los colores primarios amarillo, azul cyan y magenta, mezclándolos entre sí. Eran mezclas cualitativas, ya que se hacían por proporciones.

Yo utilicé jeringuillas, pero como te pasases un poquito con las medidas ya no salían bien las mezclas y se me han quedad lo colores azulados.

Apunte rápido

En este trabajo teníamos que hacer un apunte rápido de 50x70 de un bodegón de clase, encajarlo con el pincel y hacerlo en una sesión.

A mi la verdad que no me salio nada bien, yo es que con presión...ya está visto que no puedo trabajar, me pueden los nervios. Lo más difícil que me resultó, que fue lo que más nerviosa me puso, fue encajar a pincel, que todavía no lo domino lo suficiente.

Pero es un trabajo interesante para intentar coger soltura.

Hanna Collins

Collins se dio a conocer en la escena internacional como artista pionera en el género de la fotografía, trabajando a escala monumental e íntima al mismo tiempo. Pese a la amplitud de sus temas, sus preocupaciones se mantienen constantes: la fugacidad de la vida moderna, la interrelación entre memoria e historia, y la voluntad de expresar estas experiencias intangibles a través de las imágenes.

El arte de Hannah Collins, poético y al mismo tiempo político, responde a nuestra necesidad de formas de expresión que puedan ser privadas y públicas. Se trata de un arte con un impulso realista para describir las complejidades del mundo tal y como es, pero deseando también uno mejor.

Beijing Time. La Hora de China.

Beijing Time hace referencia a la expresión común que se utiliza para designar la hora de referencia en China que es la de su capital, por muy grande que sea el país, esa hora es la única válida. Pero el título también se refiere a la posición predominante que ocupa China en el mundo, a este gigante que tiene en su poder marcar con sello propio el mapa mundial. En este nuevo contexto surgen grandes artistas, como son los diecisiete que encontramos en esta exposición, artistas que se atreven a lanzar un grito al mundo y a su propia sociedad mediante la creación contemporánea. La exposición está marcada por la dureza, el sufrimiento, la opresión, la denuncia de una sociedad injusta, una sociedad con demasiados contrastes, excesivos urbanismos, en la que uno no es individuo sino parte de una masa que en conjunto se mueve de un lado para otro y deja a otros muchos abandonados a su suerte.

Cang Xing. Reproduction Tree. 2007 Zhou Wendou. Skateboards, 2009

Thomas Hirschhorn. La Casa Encendida

El trabajo de Thomas Hirschhorn casi siempre se muestra en forma de instalaciones. Suelen ser excesivas, demandando del espectador un tiempo y una implicación inusuales, además de un ejercicio intelectual en ocasiones algo complejo. Estas obras están compuestas por objetos cotidianos, accesibles a cualquier persona y que estamos acostumbrados a ver, como cinta aislante, carton, papel, tela... A menudo desarrolla el artista su trabajo a través de proyectos públicos, entre los que destacan 24 h Foucault ( Palais de Tokyo, 2004), el monumento a Bataille ( Documenta XI, 2002), El musée Précaire Albinet (2004) y más recientemente The Bijilmer Spinoza-Festival (2009).

Definiendo el constructivismo

Rodchenko y Popova durante el período de 1917 a 1925. En este período se pasó de la abstracción pictórica pura a la definición del constructivismo, más que movimiento.El arte se convirtió en el centro de los debates ideológicos, políticos, económicos y filosóficos.

La primera etapa del constructivismo rechaza cualquier forma de representación ilusionista, y se caracteriza por una abstracción muy hermética donde prima el interés por la textura, los efectos psicológicos del color, y una geometría en movimiento (serie Negro sobre Negro (1918) de Rodchenco).

En la década de 1920 aparece la fundamentación teórica del constructivismo, con la presentación del INKhUK. En esta época al obra de Rodchenko se esencializa con la línea como elementro principal, una gama cromática más limitada y el uso de nuevos soportes como chapa o cartón.

La exposición 5x5=25 creó un gran impacto y fue entendida como "la última exposición", supuso el inicio de nuevas aplicaciones creativas de lo aprendido en el terreno del arte bidimensional.

A partir de 1921, el constructivismo de Rodchenko y Popova se convertiría en al imagen de marca de la "Nueva Política Económica" de Lenin.

Y ya que estabamos en el Reina Sofía pues ya vimos la colección y la visita, yo creo que obligatoria, a La Torre de Leandro Erlich.